Charlotte Pistorius, Kostüme, Bühne

Die Aufarbeitungsdefizite um rechtsextreme Gewalttaten in Kassel und Deutschland, in denen der Verfassungsschutz eine genauso ambivalente Rolle spielt wie die Landes- und Bundespolitik, haben nicht nur ihre Akteure zweifelhaft berühmt gemacht, sondern auch eine Reihe von Skandalen ausgelöst. Das Schweigen, das Spekulative ist zum Kern der Debatte geworden – so beschlossen CDU und Grüne in Hessen gemeinsam, die NSU-Akten für die nächsten 30 Jahre vor öffentlicher Einsicht gesperrt zu lassen. Der Dramatiker Dirk Laucke hat über diesen Komplex eine dokumentarische Groteske geschrieben, die sich mit politischen Vertuschungen zwischen Politik, Verfassungsschutz und Rechtsextremismus auseinandersetzt. Ähnlichkeiten zu realen Personen und Ereignissen sind in dem Werk – wie immer – rein zufällig.

What is the relationship between the disappearance of a political dissident during the military dictatorship in Argentina in 1978 and that of a Jewish pianist in Italy in 1941? A blend of autobiography and fiction, historical research and police investigation, Michele Riondino and Davide Carnevali stage a reflection on the barbarian aspects of the totalitarianism that characterised the entire twentieth century. 

How can a voice be given to those who have been reduced to silence? How can an absent body be represented on the stage? Through historical research and police investigation, Davide Carnevali creates a blend of literary and musical variations, examining the ways in which we re-read the past and write history. The text - published in Italy by Einaudi - was presented for the first time at the Munich Biennial and at the Staatsoper Unter den Linden in Berlin in 2018 and will be once again presented in a new version in French at the Comédie de Caen, the Comédie de Reims and at the Théâtre de Liège, co-producers of the project, for the 2023/24 season. It is a play constructed on the memory of people and places, created to be adapted each time to the biography of the actor and the city in which it is staged. The portrait of the artist is therefore transformed into a reflection on the barbaric acts carried out in the name of Fascism that characterised the twentieth century on a global scale. Acts that could still today return perilously.

„Milena Michalek gründet ihre Inszenierung auf eine eigens erarbeitete Fassung. Deren herausragende Qualitäten werden schon mit dem ersten Auftritt des Ensembles offenbar. Mit verschwenderischem Erzählwillen und einfühlsamer Präzision bis in die Pointen der Figurenrede wird hier aus dem Prosa-Massiv ein dramatisches Destillat kristallisiert, das sich nahtlos in die aktuelle Gegenwart einfügt und dabei auf einer klaren politischen Analyse beruht. (…) Die Bühne von Charlotte Pistorius stellt eine ehemalige Cottbusser Mokka-Milch-Eisbar dar, Dieser Treffpunkt des gesellschaftlichen Lebens ist mittlerweile einem Einkaufszentrum gewichen. Hier wird sie zum Begegnungsort der Figuren, an dem, wie idealerweise in der Realität auch, Klassen, Vorstellungen, Überzeugungen, Menschen aufeinander treffen. Zwischen der marmornen Bar, dem samtenen Séparée, einer beweglichen Sitzecke, zwischen dem angegliederten einsichtigen Bad samt gläserner Duschkabine – hier wird das Private tatsächlich politisch oder zumindest ersichtlich – begegnen sich die Glückssuchenden aus Tolstois Roman. (…) Was es bedeutet, den gesellschaftlich eingeengten Spielräumen ein eigenes breites Spiel abzutrotzen, ist bei dieser großartigen Inszenierung zu sehen. Den individuellen Figurenentwicklungen zu folgen ist erhellend. Dieser Abend ist eine glücksversprechende Tragödie und hat das Zeug zur Utopie.“ Iven Yorick Fenker, Nachtkritik

Zur falschen Zeit am falschen Ort. So (oder sehr ähnlich) ließe sich die Ausgangslage zusammenfassen, mit der die Schriftstellerin A. L. Kennedy die Figuren ihres ersten Musiktheaterlibrettos konfrontiert. Zu Beginn von „The Little Lives“, das von der jungen irischen Komponistin und Ernst von Siemens KomponistInnen-Förderpreisträgerin Ann Cleare vertont wird, erscheinen die Umstände noch harmlos und zufällig: Im öffentlichen Raum einer schottischen Stadt suchen Sarah, Paul sowie das Ehepaar Andrea und Thomas unabhängig voneinander einen beliebten Ort der Erholung auf. Nichts deutet darauf hin, dass dieses Vorhaben ungewöhnlich verlaufen könnte. Dann jedoch taucht eine weitere Person auf, ein Mann, der sich als übergeordnete Instanz ausgibt. Auf seine Befugnisse verweisend beginnt er, die Anwesenden zu reglementieren und ihre privaten wie politischen Überzeugungen zu manipulieren. Mehr und mehr erscheint die Freizeit-Oase wie ein „Dead End“ – eine Sackgasse ohne Wendemöglichkeit. Geschrieben zu einer Zeit, in welcher sich das Vereinigte Königreich von der Europäischen Union zu lösen beginnt, entwirft A. L. Kennedy ein beklemmendes Szenario über die zerstörerischen Wirkungsweisen gezielter Beeinflussung und das allmähliche Verschwinden familiärer, freundschaftlicher und gesellschaftlicher Anziehungskräfte.

Büchners Sprache hat eine große Genauigkeit und Kraft. Sie ist auf das Nötigste komprimiert, schroff, und schnörkellos. Es ist eine Sprache, die fortwährend versucht, etwas zu beschreiben, das außerhalb des Beschreibbaren liegt. Auf der einen Seite finden die Figuren für ihre Erfahrungen, Nöte, Sehnsüchte kaum Worte, die Sprache als solche ist fremd, es gibt keine alltägliche Gewohnheit mit ihr, vielleicht ist ihr zu misstrauen. Auf der anderen Seite entstehen unglaubliche Sprachbilder, die pathologisch gedeutet werden können, aber auch Auswege oder Fluchtmöglichkeiten sind aus der Zwanghaftigkeit der Umstände. Wenn Woyzeck versucht, sein Erleben einer zweiten oder „doppelten Natur“ zu beschreiben, dann geht er vor wie ein Autor oder Maler, der Apokalyptische Bilder erfindet, die an mythische oder biblische Sprachzusammenhänge erinnern. Es ist eine große Herausforderung, für diese Sprache eine Mentalität und, ja, vielleicht fast physische Notwendigkeit zu entwickeln. (Christiane Pohle)

Die Autorin Anne Habermehl schreibt den ersten Teil einer Trilogie für die Kammerspiele. Ihre Geschichten sind poetisch verdichtete Fundstücke von Lebensläufen, die von Aufbruch und Neuanfang, aber auch von Wiederholung und Mustern erzählen. Die Geschichte schreibt sich ein in unseren Körpern. Mit Frau Schmidt fährt Anne Habermehl 1990 voller Hoffnung über die Oder, also von Osten nach Westen, der in diesem Fall aus einem bayerischen Kaff besteht. Sie verfolgt das Leben einer Spätaussiedlerin, die in jedem Moment auf Spuren der gewaltvollen Geschichte zwischen Polen und Deutschland in ihrem Alltag stößt, ohne sie vollends entschlüsseln zu können. Frau Schmidt will sich weder vertreiben lassen, noch übrig bleiben. Sie will selber gehen, ein Kind großziehen, ein eigenes Leben leben. Herrschaftssysteme brechen zusammen, dazwischen basteln Menschen ihre eigene Ordnung, suchen nach Zukunft, manchmal nach Utopien. In Momentaufnahmen aus den Jahren 1990, 2003 (nach der großen Oder-Flut), und kurz vor Frau Schmidts Tod 2021 lotet Anne Habermehl die Reibung zwischen einer eher utopielosen Gegenwart und der Aufbruchsstimmung vor 30 Jahren aus: Welche Machtverhältnisse tragen wir in uns, wieviel Flucht nach vorne ist möglich?

Schilten ist ein erstaunlicher Text. Der Schulbericht an die Inspektoren-Konferenz aus der Perspektive des Schullehrers Armin Schiltknecht ist weit mehr als ein Bericht, er ist eine Überlebensmaßnahme, eine Anklage, die hypnotisch-manische Erfindung einer realen Daseins-Alternative gegenüber der vernichtenden Tatsache, dass Armin Schiltknecht gar keine Schüler mehr hat, dass er seit Jahren allein in einem leeren Schulhaus sein Dasein fristet, vielleicht längst vergessen wurde. Armin Schiltknechts fieberhafte Analysen und Beschreibungen sind rhythmisch-musikalische Improvisationen, mit Refrains, Soli, riesigen Crescendi, die Themen und Gedanken vor sich hertreiben, ausbauen, bis zur Groteske überdehnen.

Christiane Pohle an Dominik Blum, München, Juni 2020

Recurring migratory birds, the tides, captured sound waves; THE BROKEN PROMISE tells of strolling, listening, collecting and processing. In a laboratory-like process, the participating artists developed different paths and channels of communication that became own narratives. Childhood memories, live reports and fictional narratives get entangled with musical algae, reeds and water basins to form a sounding network, an imagined habitat. In the current time when traveling is not as easy to realize, the acoustic live stream bridges the spatial distance by means of sonic simultaneity. Together and in different places in Europe, the protagonists examine invented, built-in or unrealizable approaches to so-called nature, to water and its inhabitants. With THE BROKEN PROMISE, Miriam Jakob is continuing her artistic research into the (im)possible and sometimes contradicting levels of relationship between the species. If we consider humans as a complex community of many different organisms, the question of living together arises in a new way.

„Mit außerordentlichem Fingerspitzengefühl lassen die Schauspieler*innen ihre Rollen zittern, verzweifeln und lachen. Im Zentrum der von Charlotte Pistorius gestalteten Bühne steht ein drehbarer zweistöckiger Turm: ein Treppenhaus ins Nirgendwo, das hier und da Einblicke gewährt, umso mehr aber den Blick verstellt auf Abläufe im Inneren. Klug ist das, wie alles hier, aber unaufdringlich – ohne dramaturgische Schaumschlägerei. Ein Stück wie „Überleben“ ist eine Ensembleleistung oder es scheitert zwangsläufig. Dass der fast zweistündige Balanceakt bei enormer Fallhöhe nicht ein einziges Mal auch nur ins Straucheln kommt, ist eine Sensation.“ 
taz, Jan-Paul Koopmann 2.3.2020

Die Klinikmorde, die zwischen 2000 - 2005 in den Krankenhäusern Oldenburg und Delmenhorst geschehen sind, übersteigen unsere Vorstellungskraft. Die Anzahl der Getöteten und der versuchten Tötungen ist zu hoch, der Zeitraum, in dem der Täter über viele Jahre scheinbar unbemerkt handelte, zu lang und das Vertrauen in das medizinisches Versorgungssystem, dem auch wir jederzeit ausgeliefert sein können, wurde unmittelbar zerstört. Wie geht eine Stadt mit diesem Ereignis um, das jetzt Teil der eigenen Geschichte ist?  Das Theaterprojekt sucht nach den offenen Fragen und nach den Leerstellen in den Erzählungen, die das Verstehen des Geschehenen so schwierig machen. Die Grundlage für die Inszenierung bilden ausschliesslich Interviewtexte und O-Töne, die wortwörtlich von Schauspieler*innen wiedergegeben werden, sowie musikalische Neukompositionen für ein Bläser-Trio.

Ein Chor und eine Performerin werden einen Abend lang zu einer Bewegung und verschaffen sich Gehör: Wie können wir uns verbünden, ohne die Interessen einzelner hintenan zu stellen? Wie können wir Differenzen aushalten und gleichzeitig solidarisch sein? Simone Dede Ayivi und Kompliz*innen vereinen verschiedene politische Kämpfe und rücken ins richtige Licht, was wichtig ist. Sie formen ein „Wir“ gegen alle Wiederstände.

Please take a seat! We asked people to invite us for a ride in their private cars. Now we invite you to join us for panorama radio, a theatrical situation. Is it possible to develop a community out of a temporary situation in a private space?

Einsteigen bitte! panorama radio lädt euch zu einer Spritztour mit dem Auto ein. Während der Fahrt durch die Stadt kommt ihr ins Gespräch: über Gemeinsamkeiten, Aktuelles und Anliegen an die Öffentlichkeit. Marlin de Haan und Ayşe Draz haben dazu vorab Fragebögen verschickt und die Antworten bearbeitet. Verschiedene Stimmen und Perspektiven treten in einen Dialog. Wie lassen sich Gemeinschaft und Öffentlichkeit – auch im temporären, privaten Raum – herstellen und wozu?

Reflection is the last part of a trilogy on the collective body. From the community that we form (Collective Jumps) to the analogy of nature (Pieces and Elements), Reflection brings the focus to energetic and physical forces that make us move and the importance of the singularity to move others.

Reflection ist der letzte Teil einer Trilogie über kollektive Körper. Von der Utopie der Gemeinschaft (Collective Jumps) zur Analogie der Natur (Pieces and Elements), bringt Reflection den Fokus auf die Kräfte, die uns bewegen und auf die Bedeutung der Singularität, andere zu bewegen.

Why are you looking at me now? Why are you looking at me again? What if I pulled my teeth? Cut my hair underneath my chin? (Grimes feat. Janelle Monáe)

Was, wenn Biomasse und Subjektivität anders verteilt wären zwischen Natur und Mensch? – Oder anders überlegt: What if nature herself wore drag? Temporäre humanoide Figuren betreten den Saal. Sie beschwören Diven und Steine und lassen sie als Versionen einer geteilten Identität in ihren Körpern zusammentreffen. Sie geben sich der Beziehung dieser imaginären Subjektivitäten hin und zetteln ein Wechselspiel zwischen dem Heraustreten und Verschwinden, dem Sich-Angleichen und Sich-Ent-gleichen an.

Based on the fates of musicians and composers who were abducted during the military dictatorship in Argentina (1976–1983), the Italian writer Davide Carnevali, together with the Argentinian composer Franco Bridarolli, has developed a project that evokes the life of a fictional musician. The literal meaning of the term »privatus« is examined, which in Latin means »separated, deprived«. Under South American dictatorships, those who vanished were named the »desaparecidos.« They were bodies robbed of manifestation, »deprived« existences. Their »evocation as spirits« now dialectically rebalances the destroyed context: the appearance of a spirit deprived of its concrete body becomes the public manifestation of a private tragedy.

Die persönliche Geschichte des Schauspielers Daniele Pintaudi beginnt mit einem Gerichtsverfahren wegen einer Wohnung in Argentinien, die ein Verwandter von ihm 1978 erworben hatte. Die während der Militärdiktatur enteignete Wohnung gehörte einst Franco Bridarolli, einem jungen Komponisten, dessen Familie jetzt die Rückgabe fordert. Um an dem Verfahren mitzuwirken, aber auch um für ein Theaterprojekt zu recherchieren, reisen Pintaudi und der Autor Davide Carnevali 2015 nach Argentinien. Dort stellt sich heraus, dass Bridarolli zum Zeitpunkt seines Verschwindens an den Kompositionen eines deutschen Juden arbeitete, der seinerseits während des Nationalsozialismus in Deutschland verschwand. Kurioserweise ähneln sich sowohl die Biografien als auch die – hier erstmals öffentlich aufgeführten – Werke der beiden Komponisten in vielen Punkten. Auch ihr Verschwinden weist gewisse Analogien auf. Das Projekt kreist um die Abwesenheit des Körpers des desaparecido, des verschwundenen Menschen, und dessen Schicksal - Deportation, Gefangenschaft und Tod - ungewiss bleibt. Wie kann man der Person, die zum Schweigen gebracht wurde, die Stimme wiedergeben? Wie kann man die Kunst dem Künstler, dessen künstlerischer Ausdruck verboten wurde, zurückgeben? Und vor allem: Wie kann man den verschwundenen Körper wieder ans Licht bringen?

Die ersten Jahre nach der Shoah waren eine Zeit der Widersprüche und des Dazwischen - viele der jüdischen Überlebenden fanden sich nach 1945 ausgerechnet in Deutschland, zumeist in der US-Besatzungszone, wieder. Diese sog. Displaced Persons warteten oft jahrelang in Camps auf eine Möglichkeit zur Auswanderung. Es entstanden Gemeinschaften im Aufschub, eine Jiddisch geprägte Welt im Transit. Zugleich waren für die Displaced Persons Fluchterfahrungen, Suche nach (illegalen) Routen, aufgegriffen werden, kein Visum erhalten prägend - bis doch die Ankunft in einem neuen Land gelingt. Ausgehend von aufgezeichneten Erinnerungen Überlebender und neu geführten Interviews, entlang sprachlicher und visueller Bilder entwickelt Futur II Konjunktiv ein theatrales Mosaik dieses weitgehend vergessenen Teils deutscher Nachkriegsgeschichte.

Beziehungskisten, wilde Ehen, Scheidungen ohne Schuld: Die Generation der 68er-Eltern eint, dass sie sich zu einer Zeit kennen- und liebengelernt haben, in der erstmals in der modernen Gesellschaft neue Beziehungsmodelle toleriert wurden. Welche Auswirkungen hatte das auf ihre Rolle als Eltern? Wie frei haben sie ihre Beziehungen gelebt? Welche Ideale hatten sie? Welche Rolle spielten Gleichberechtigung, sexuelle Freiheit, Treue, Arbeitsteilung, Kinderwunsch, Erziehungsmethoden, Konfliktbearbeitung? In Interviews lassen wir Paare und deren Kinder unabhängig voneinander erzählen, wie sie diese Zeit wahrgenommen haben. Wie sehr hat der „Geist von 1968“ die Kindheit beeinflusst? Welche Auswirkungen haben die Beziehungsmuster der Eltern? Gelten sie als Vorbilder oder als Motiv der Abgrenzung? Inwiefern sind Beziehungsformen Produkte ihrer Zeit und wo finden heute die Erfahrungen von Wandel und Aufbruch statt?

Double Portrait - the portrait for Przemek Kaminski and Nir Vidan - seeks to form a solo for two persons with their bodies, movements and subjective rhythms. Each of them finds his prolongation in the other. In changing interdependencies a shared space defines self and other, intimacy and care, colliding forces and violence creating a web of connectivities. The work plays with aspects of Frances Bacon's paintings, their complexity in visual rhythm, their intensity and immediacy.

Double Portrait - das Portrait für Przemek Kaminski und Nir Vidan - ist als Solo für zwei Persönlichkeiten, deren Körpern, Bewegungen und Rhythmen angelegt. Jeder der beiden fndet seine Verlängerung im andern. Der gemeinsame Raum bestimmt in unterschiedlichen Relationen Selbst und Gegenüber, Intimsphäre und Verantwortung, aufeinanderprallende Kräfte und Heftigkeit und schaft ein Netz von Interaktionen. Die Arbeit spielt mit Aspekten Frances Bacons Malerei, deren Komplexität der visuellen Rhythmen, deren Intensität und Unmittelbarkeit.

Turning Solo – the portrait for Naïma Ferré – is based on her fascination with spinning for long periods. This whirling practice is brought into dialogue with Schad’s research around axial and weight shift, around inner movement material and its extension into the world, around energetic fields that characterise oneself and others. Little by little an initially minimalist study in movement becomes a shimmering jewel, a rotating sculpture, the choreographic portrait of a dancer.

Turning Solo - das Portrait für Naïma Ferré - basiert auf ihrer Faszination, sich lange am Stück drehen zu können. Im Dialog mit Naïmas Whirling Praxis steht Schads Research um Achsumdrehung und Gewichtsverlagerung, um innere Bewegung und deren Ausdehnung in die Welt, und um Energiefelder, die einen selbst und andere bestimmen. Eine zunächst minimalistisch angelegte Bewegungsstudie wird nach und nach zum schillernden Juwel, zur rotierenden Skulptur und zugleich zum choreographischen Porträt einer Tänzerin.

„Holt die Wäsche rein, die Zigeuner kommen!“ Mag der Satz wie ein uraltes Vorurteil klingen, so erblühen heute durch die Überfremdungsängste der EU-Bürger die Feindbilder gegenüber der, mit 10 Millionen Angehörigen, größten ethnischen Minderheit Europas erneut und vehement. Wo immer Roma heute in Europa ansässig sind, sind sie mit Stereotypen, Diskriminierung und Ausgrenzung konfrontiert. Von den Nationalsozialisten wurden sie in Konzentrationslagern ermordet. Während des Jugoslawienkriegs hat man sie im Zuge ,ethnischer Säuberungen' verfolgt, getötet oder vertrieben. Oder Arbeitslosigkeit und Armut zwingen viele Roma in Länder zu emigrieren, in denen sie "als lästige Arme, als fremde Hilfsbedürftige, als "aggressive Bettler, als ungefragte Anbieter unnützer Dienstleistungen, als Sozialschmarotzer, als Eindringlinge gesehen". Und die Regierungen der westlichen EU-Länder weisen durch ihre Asyl- und Migrationspolitik die Verantwortung zurück in die Herkunftsländer. 
Wie beschreiben sich die Angehörigen dieser transnationalen Bevölkerungsgruppe selbst? Welches Bild haben sie von den Mehrheitsgesellschaften der Länder, in denen sie leben? Was wäre in ihren Augen notwendig für ein gelingendes Zusammenleben? Welche Perspektiven sehen sie in einem Europa der Zukunft?
Ein weiteres Mal richtet werkgruppe2 den Blick auf ein europäisches Thema. Auf der Grundlage von Interviews, die in Rumänien, Frankreich und Deutschland geführt wurden, zusammen mit Roma-Musikern und einem multinationalen Schauspiel-Ensemble entsteht ein Theaterprojekt, das nach seiner Uraufführung in Braunschweig auf Europa-Reise geht.

In 1990, the entire Georgian Chamber orchestra migrated from Tbilisi to Ingolstadt supported by the automobile enterprise, Audi. They left the paradise which as legend has it, God had created for himself but left to the Georgian people when they missed the distribution of land to all nations. After 25 years of music making in Ingolstadt, the city’s cultural life is unimaginable without the Georgians. Still today, the ensemble is made up solely of Georgians under the current artistic direction of Ruben Gazarian.
The documentary musical theatre project questions the history behind the unusual resettlement of a whole orchestra. What were the reasons for fleeing? What did the orchestra represent in Tblisi and what void did it leave behind? What is the unique Georgian sound ascribed to the orchestra? Is it possible that music can help foreignness be accepted by a host society? What are the conditions and prerequisites which enable a successful new start? Can we learn something from the Georgians as a successful model for integration? 
In this project, the theatre group werkgruppe2 with current and former members of the Georgian chamber orchestra collected accounts and appraisals of the musicians’ experiences. Based on these interviews, together with members of the Ingolstadt theatre ensemble and some of the orchestra players, they developed a theatre evening about the exciting life stories of the Georgian musicians.

„Die Georgier” ist ein wunderbares Stück, das die Dokumentar-Theatertruppe Werkgruppe 2 mit den Musikern und für die Musiker entworfen hat. (...) Der Festsaal des Theaters Ingolstadt schaut ja inzwischen durchaus so aus, als könnte er selbst in Georgien liegen, dazu hat Charlotte Pistorius eine uralte Seilbahngondel hineingestellt, aus der die Darsteller und die Musiker hervor kommen, sich wundernd, wo sie angekommen sind. Das Tolle an dem Stück ist, dass es die spezifisch märchenhafte Geschichte des Orchesters erzählt, aber auch viel über das Europa der letzten 25 Jahre. Dabei mag es eine Gratwanderung sein, die drei Schauspieler und die zwei Schauspielerinnen so sprechen zu lassen, wie es Menschen halt tun, die von weit her kommen. Aber es geht auf, es ist sicherlich auch sehr lustig, Lebensweisheit aus dem Osten, fröhlich und kugelaugenrund, und so menschlich schön. Und auch dies ist die Aufführung: ein prima Konzert. 
Egbert Tholl, Süddeutsche Zeitung

With Fugues, Berlin choreographer and dancer Isabelle Schad continues her work between musical concepts and their expression in movement. Coming from a music background, she attempts to look at her own (hi)story and the origins of (her) movement between discipline and pleasure, examining the body and its energies in its materiality, process, and time. 
The fugue serves her as an analogy for the body in exercise, where the principles of chasing and fleeing, giving and receiving, emptiness and fullness, are becoming one. 
Fugues is an autobiographical work in which the performer’s body serves as an example for the construction of the individual within disciplines and systems one cannot escape from.

Si tu viens d’un coin où c’est toi qui domine tout ça… Là là on est deux, hein… Si toi t’es leader moi je dirais quoi? Eh là c’est compliqué…

...C’est comme un couteau pour deux… ...Deux continents On se regroupe au milieu de nos deux continents… C’est comme un accident... C’est comme prendre la lune et la mettre avec le soleil Ça fait éclipse

Il sous-estime mes capacités, mon délire, ma folie Il ne se rend pas compte que le seul témoin de notre rencontre… sera le public

Je badine pas il va voir Je suis prêt

(Ahmed Soura)

Wie klingt ein Chor, die in sich ruhende Masse oder die vielgestaltige Menge im Zeitalter der Digitalisierung? Kafkas Erzählung „Josefine, die Sängerin oder Das Volk der Mäuse“ (1924) bildet den Ausgangspunkt für ein experimentelles Musiktheater, in dem sich immer wieder die Stimmen der Vielen gegen die Einzelnen erheben. Es ist eine Suche nach Begegnungen, Mit-Sein und Widerstreit in einer immer unübersichtlicher werdenden Vielfalt von Welten, in denen die Regeln von Dialog, Wissen, Aneignung und Austausch längst von Medientechnologien und ihren Usern bestimmt werden.

Vier Kostümbildnerinnen - Anna Eiermann, Aino Laberenz, Sophie Reble und Lea Søvsø - beschreiben ihre Art und Weise, Kostüme zu entwickeln. Was ist ihnen wichtig für die Bekleidung der Fiktion? Wie ist ihre Sicht auf das Verhältnis von Alltag(skleidung) und Fiktion? Und, warum der Hut zwischen uns? Wo sitzen wir?

In Erinnerung an Barbara Loreck.